2021

 

*atelier #1

Interpréter un texte au double-sens du jeu et de l'analyse
(Représenter l'activité silencieuse et invisible de la pensée)
Nicolas Zlatoff 

S’il fallait décrire mon travail, on pourrait dire que je cherche à représenter scéniquement l’activité, habituellement silencieuse et invisible, de la pensée d’un·e acteur·ice au travail. Par « pensée », j’entends aussi bien l’action de forger des concepts que celles qui relèvent de l'association d'idées, de la divagation et du délire, voire de l’ivresse et de la folie. 

Je prolonge une technique issue de l’Analyse-Action, forgée par Constantin Stanislavski, à la fin de sa vie, puis par Maria Knebel, dans laquelle les acteur·ices tentent de jouer un texte de théâtre avec leurs propres mots, tout en ne connaissant pas encore « par cœur » ce texte.  En élaborant au fil des exercices de jeu une « composition », un plan ou canevas peuplés d’images sensibles et personnelles, ils apprennent à suivre cette composition « comme une partition invisible », pour rapprocher peu à peu les mots de l’auteur et du personnage. Parce que l’acteur joue, avec ses propres mots, un personnage d’un texte qu’il ne connaît pas encore, il développe une aptitude à « penser et vêtir ses pensées des mots que l’auteur lui a donnés ». 

Puisque cette pensée se déploie directement dans le jeu de l’acteur, elle est très différente d’une pensée qui aurait été produite dans un travail à la table : elle est vive, foisonnante et instable ; elle ouvre des sens multiples ; elle se permet d’être irrévérencieuse et décalée parce qu’elle joue avec les concepts, fait glisser leur sens, et provoque des résultats inattendus : les acteurs sont souvent surpris eux-mêmes de ce qui est produit. 

La position des acteurs se redouble : ils sont interprètes au sens du jeu (ils jouent, à des degrés d’engagement divers) mais ils sont également, dans le même temps, en position d’interprète au sens de la dramaturgie, ou plus généralement des études littéraires : ils analysent le texte en cours de travail, font des hypothèses de sens, et convoquent la mise en jeu pour valider ou invalider leurs hypothèses. 

Le théâtre et la mise en jeu opèrent donc à la fois comme un catalyseur de la pensée de l’acteur, mais également comme un révélateur de cette pensée auprès des spectateurs.  

NICOLAS ZLATOFF * Diplômé de la Manufacture – HETSR de Lausane en 2013, il y développe pendant deux ans une recherche à la fois théorique et pratique sur la représentation de l’acte de penser. Il travaille notamment avec Claire de Ribeaupierre, Robert Cantarella, Jean-Yves Ruf, Julie Sermond, François Gremaud, René Zahnd, Nicolas Doutey, Sylvie Kleiber et Roberto Serafide. Il a dirigé plusieurs projets de recherche dans la continuité de ce travail, soutenus par la HES-SO. À sa sortie de l’Ecole, il crée Gaspard Productions à Sierre, travaille avec le TLH-Sierre, le Musée d’Art Brut (Lausanne), l’Orchestre de Chambre de Lausanne, Valeria Bertolotto et Aline Papin (projetAutofedre) et enseigne à la HES du Valais ainsi qu’à la Manufacture. Il dirige actuellement un nouveau projet de recherche, soutenu par le FNS, qui vise à faire interagir, sur scène, des acteurs et des agents conversationnels, issus des techniques informatiques du Deep Learning. Son travail est présenté au TLH-Sierre, à l’Arsenic (Lausanne), au Théâtre Saint-Gervais (Genève) ainsi qu’en France, principalement à Paris (Maison des Métallos, Théâtre de l’Aquarium, La Loge), Lyon (Nouveau Théâtre du 8è, Journées des Auteurs) et en Amérique Latine (Mexique, Colombie). 

 

*atelier #2

Le Misanthrope et la vie sauvage
Guillaume Béguin 

L’hypothèse autour de laquelle j’aimerais travailler est que la vie courtisane tant décriée par Alceste dans Le Misanthrope de Molière est en réalité entièrement sauvage : aussi sauvage que l’idéale nature qu’il porte aux nues, et qu’il espère tant atteindre afin d’échapper à l’insincère artifice tant haï. Nous chercherons différents moyens de théâtraliser cette vie à la fois courtisane et sauvage, et nous verrons comment Alceste se débat pour s’extraire d’une condition qui pourtant le définit, et à laquelle il ne peut sans doute renoncer sans nier sa propre humanité. Nous enquêterons sur sa relation à l’amour, qu’il considère peut-être comme une échappatoire, un outil d’émancipation, ou un miroir contre lequel il se heurte sans fin. 

Cet atelier s’inscrit dans une recherche que je mène depuis plusieurs mois autour de la pièce de Molière et de la misanthropie en général. À cette occasion, nous convoquerons également la figure de Robert Walser, à travers son roman Les enfants Tanner. Sans être tout à fait misanthrope, Simon Tanner, l’alter ego de Robert Walser dans le roman, choisit de se placer en marge de la société, sans ressource, sans amour, mais non sans renoncer à son environnement ou tisser des liens avec le genre humain. Nous confronterons Walser à Molière, et nous enquêterons sur notre propre quête « d’appartenance » à la nature, au monde sauvage, à la société, à l’amour. 

GUILLAUME BÉGUIN * Né en 1975, il est metteur en scène, auteur, comédien et pédagogue. Ses pièces, peuplées de singes, de robots et d’humains en décomposition-recomposition, interrogent le rôle de l’imaginaire dans la fabrique de l’individu humain — ou de l’espèce humaine en général. Après avoir régulièrement écrit au plateau (Le Baiser et la morsure, 2013, Le Théâtre sauvage, 2015), il écrit dorénavant seul, pour ses interprètes. Titre à jamais provisoire (créé en 2018 au Théâtre Vidy-Lausanne), sa dernière pièce, évoque la dilution de la personnalité humaine dans celle du robot. 

Depuis 2007, il met également en scène, ou adapte pour la scène, des textes de Jon Fosse, Magnus Dahlström, Édouard Levé, Martin Crimp, William Shakespeare… Il enseigne aussi le jeu et la mise en scène dans plusieurs hautes écoles de théâtre (Les Teintureries, La Manufacture, École de la Comédie de St-Étienne), et collabore avec plusieurs compagnies comme conseiller ou dramaturge. 

  

*atelier #3

Nos ressources et notre matière
La biographie vraie ou fausse
Marielle Pinsard 

J’expérimente cette méthode depuis dix ans avec des élèves de grandes écoles françaises et suisses, ainsi qu’à Montréal. Bien sûr, il y a mille façons d’aborder l’écriture de plateau. J’ai moi-même développé plusieurs méthodes : celle que j’utilise pour transposer un texte classique, celle qui tourne autour d’un thème donné par avance, et celle que je propose d’aborder au cours de cet atelier : la biographie & le sosie. Elle permet rapidement de donner un certain niveau aux impros et de mettre les acteur.trices sur une orbite assez puissante.  

Au début, je pose seize questions, apparemment anodines, mais personnelles. Puis je demande à l’acteur·ice de m’indiquer un sosie connu. Ce travail autour de la biographie et du sosie est différent avec chaque groupe que je rencontre. Il part de l’expérience et de l’imaginaire personnels, dans un but est d’autonomie, mais c’est aussi un travail de groupe. Je cherche avec les acteur·ices une synergie commune, et le challenge est qu’il n’y ait à la fin plus qu’une seule écriture originale. Il ne s’agit pas de coudre les improvisations les unes derrière les autres, mais de trouver un flux commun. 

MARIELLE PINSARD * Née en 1968, Marielle Pinsard fait ses classes de comédienne à l’École d’Art Dramatique de Lausanne de 1989 à 1992. En 1992-93, elle complète sa formation auprès du dramaturge et écrivain Peter Brasch. En 2000, elle crée la Compagnie Marielle Pinsard et, sous ce label, écrit des textes qu’elle met elle-même en scène : Comme des couteaux, Nous ne tiendrons pas nos promesses, Pyrrhus Hilton, On va tout Dallasser Pamela, Rock Trading … Elle a créé 27 spectacles à ce jour. 

En 2004, elle reçoit le prix du théâtre de la Fondation Vaudoise pour la Culture. En 2009, la fondation Leenaards lui octroie une bourse pour un projet de recherche et d’écriture qu’elle mène en Afrique durant deux ans, et qui débouche sur le spectacle En quoi faisons-nous compagnie avec le Menhir dans les landes ? présenté au Théâtre Kléber-Méleau, au Zürcher Theater Spektakel, au Festival de la Bâtie, ainsi que plus récemment au Théâtre de Vidy et au Tarmac, à Paris. 

Depuis 2015 elle collabore avec plusieurs groupes de théâtre de Bruxelles comme la « Clinic Orgasm Society » ou certains membres du « Nimis Groupe » de Liège comme Anne Sophie Sterck. En 2017, elle gagne le Prix suisse du théâtre récompensant « une artiste multidisciplinaire au talent singulier ». 

En 2019, Marielle Pinsard est invitée à Montréal par le CEAD (auteur·ices du Québec) afin de partager des outils pour produire de la matière écrite et de relancer les comédien·nes selon sa méthode : « l’écriture de plateau via la biographie vraie ou fausse des participant·es ». 

 

*atelier #4

Corps en-jeux
Manon Krüttli 

La recherche que je propose de mener dans cet atelier questionne le corps commun de l’acteur·ice sur scène. Comment créer et augmenter une écoute collective ? Dans quels dispositifs mettre en jeu les corps afin de les rendre poreux… aux autres, à l’environnement, à l’invisible ? Comment un groupe d’acteur·ices est-il prêt à se remettre à quelque chose qu’il ne peut éprouver qu’ensemble ? Enfin, comment ce lâcher-prise collectif peut-il être jubilatoire et permettre à chacun d’augmenter sa liberté d’acteur·ice ?  

Cette proposition résulte de mon envie de partager et d’affiner les modus operandi que j’ai expérimentés lors de mes deux dernières créations : Le Large existe (mobile 1) au TPR en 2018  et Trop courte des jambes au POCHE/GVE en 2019. Une notion a guidé mon travail lors des répétitions de ces deux spectacles : l’abolition du volontaire. En effet, j’ai tenté d’inventer des façons de faire qui exerce l’acteur·ice au lâcher-prise collectif et au plaisir que l’on peut ensuite éprouver à ne pas savoir ce qu’il va se passer sur le plateau (sans pour autant que cela soit de l'improvisation).  

Les *joueur·ses seront donc invité·es à explorer différents types de protocoles de jeu inspirés du few point, de la PNL et de la danse contemporaine, et qui permettent de développer l’écoute, la perméabilité et la réactivité et ainsi à augmenter la liberté d’action sur le plateau. 

Si nous nous concentrerons tout d’abord sur un travail presque exclusivement physique, nous nous confronterons au texte dans un deuxième temps afin d’éprouver comment ces protocoles nous donnent des outils concrets d’interprétation. 

MANON KRÜTTLI * Après des études au Conservatoire de Genève et aux Universités de Berne et de Berlin ponctuées d’assistanats à la Schaubühne et au Théâtre Vidy-Lausanne, Manon Krüttli complète sa formation avec un master en mise en scène à La Manufacture. En 2009, elle crée la cie les minuscules (Genève) avec Charlotte Dumartheray et Léonie Keller, avec laquelle elle conçoit plusieurs spectacles. En 2016, elle fonde sa propre compagnie – KrüKrew - et présente ChériChérie au Théâtre 2.21 à Lausanne. Elle travaille régulièrement au POCHE/GVE et met en scène deux comédies québécoises Unité Modèle et Les Morb(y)des (2016), La Côte d'Azur de Guillaume Poix (2018) et Trop courte des jambes de Katja Brunner (2019). Par ailleurs, elle collabore avec différents artistes en qualité de dramaturge (Luk Perceval, Andrès Garcia, etc) et a travaillé à la performance polyphonique Finalement tout s'est bien passé. Essaie sur la colère. co-signée par Michèle Pralong, Sylvie Kleiber, Rudy Decelière et Victor Roy dans le cadre de La Bâtie. Durant la saison 2018/2019, elle a présenté Le Large existe (mobile 1), création qu'elle signe avec Jonas Bühler dans le cadre des Belles complications#2 au Théâtre Populaire Romand, au Théâtre Les Halles de Sierre ainsi qu’au Théâtre Saint-Gervais Genève. 

 

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2022

 

*atelier #5

Le son : technique et dramaturgie
Cédric Simon

Les participant·es seront amené·es à apprivoiser le vocabulaire lié au son et à acquérir les bases techniques de la création et de la diffusion sonores, mais également à aborder les enjeux dramaturgiques du son afin de mettre la technique au service de la création.
L*atelier, réservé à huit participant·es, s’adresse à tout créateur·rice des arts de la scène désireux d’ouvrir sa conscience sur les possibilités offertes par la technique ou simplement d’explorer la création sonore. Il sera possible de développer un projet personnel, qu’il soit encore à l’état d’ébauche ou de rêverie — ou même déjà bien avancé. Les participant·es qui souhaitent seulement acquérir de nouvelles compétences, sans travailler autour d’un projet personnel, sont également les bienvenu·es.

CEDRIC SIMON * est né en 1983 en région parisienne. Après avoir mené à bien une formation technique en audiovisuel (Brevet de Technicien Supérieur), il se lance dans des études de théâtre à Paris. En 2006, Cédric intègre la Haute Ecole de Théâtre de Suisse Romande - La Manufacture à Lausanne, il y poursuit sa formation de comédien. Aujourd’hui il alterne les fonctions de technicien son, compositeur musical & comédien principalement pour le théâtre. En tant que comédien, Cédric a notamment travaillé sous les directions de Gisèle Salin, Dorian Rossel, Massimo Furlan, Cédric Dorier, Ludovic Chazaud, Georges Grbic et Maëlle Poesy. Depuis 2014, Cédric œuvre régulièrement aux spectacles du Collectif du Loup. Comme technicien son et musicien, il signe en particulier les créations sonores des compagnies Jeanne Föhn, Chris Cadillac, Face Public, Le pavillon des singes et Sköln At Thtr. Son travail de création sonore se situe à la frontière entre musique et paysage sonore.  

 

*atelier #6

Créer en collectif
Collectif La colle (Yan Duyvendak, Fig Docher, Océan Schaub, Romane Serez)

Depuis septembre 2020, sous le nom de La colle, Fig Docher, Yan Duyvendak, Océan Schaub et Romane Serez explorent les logiques et les articulations de ce qui fait collectif et cherchent à développer une boîte à outil destinée à la collaboration. La colle invitera douze participant·exs à participer à cette recherche, à découvrir et à partager des connaissances, que ce soit en détournant et en se réappropriant les outils de l’entreprise qui capitalisent sur la collaboration, mais aussi en se nourrissant des expériences collectives qui nous précédent, des recherches dans le champ de la psychologie systémique et de la sociologie, ou de nos expériences personnelles. Pour ce faire, il s’agira de tester des protocoles de collaboration et de découvrir et inventer des outils pour faciliter et animer les rencontres, se rassembler autour d'objectifs communs, résoudre des conflits ou même apprendre à se séparer. réfléchir, discuter et déconstruire les notions de collectivisme, d’individualisme, de capitalisme et d’anarchie et de la place du collectif dans la lutte politique ou dans la création artistique.  

YAN DUYVENDAK * est un artiste-performeur qui développe des dispositifs scéniques, sortes de jeux de société à l’échelle 1:1, qui s’attachent à décortiquer la manière dont nous, citoyennexs, nous débattons avec les modèles sociétaux et l’engagement politique et social. Ses deux créations les plus récentes, invisible et VIRUS, s’intéressent à la constitution du collectif et à comment la collaboration et l’empathie peuvent amener à des formes possibles d'empowerment. Dans tous ces projets, la co-signature et la collaboration font intrinsèquement partie du travail.  

FIG DOCHER * est photographe et cherchaire dans les épistémologies de l’image et du genre. Actuellement en master d’arts visuels à la HEAD, iel propose des ateliers collaboratifs de photo qui s’inscrivent dans les pédagogies critiques. Iel s’intéresse au potentiel politique et révolutionnaire des pratiques collectives dans l’art comme dans la vie quotidienne.  

OCEAN SCHAUB * est une artiste joyeuse engagée dans la création d’alternatives aux systèmes d’oppressions (capitalisme, spécisme et patriarcat particulièrement). Ses recherches s’ancrent dans les territoires, mettent en lumière les relations de pouvoir qui s’y déroulent et y proposent des autrements. Elle s’intéresse particulièrement aux échelles de la maison, de l’intime, du collectif et du faire commun. Sa pratique met en dialogue céramique, peinture, bricolage et recherches en théorie politique normative, anthropologie visuelle et géographie critique.   

ROMANE SEREZ * est un artiste non-binaire suisse. Le militantisme intersectionnel et les luttes contre les systèmes de discriminations font partie intégrante de sa pratique artistique qui s’articule principalement autour de l’écriture, de la performance et de l’édition. Iel a fondé les Éditions Tordues, une maison d’édition anarcho-queer qui cherche à valoriser la pratique d’un art local, communautaire et anticapitaliste.  

 

*atelier #7

Théâtre et Feldenkrais
Julie-Kazuko Rahir et Christian Geffroy-Schlittler

Julie-Kazuko Rahir et Christian Geffroy-Schlittler proposent dans cet atelier de découvrir une étape de la recherche qu’ils mènent dans le cadre de la Mission Recherche de la Manufacture qui vise à explorer certains outils de la méthode Feldenkrais applicables au travail scénique.
La méthode Feldenkrais propose à l’acteur·ice un processus de recherche autonome : comment peut-on générer soi-même ses propres connaissances, comment peut-on continuer à apprendre à apprendre, comment peut-on alimenter son travail à partir de ses propres ressources.   Ouvert à tous les praticiens de la scène (danseu.r.se.s, performeu.r.se.s et commédien.ne.s), cet atelier tentera d’aborder la pratique scénique par une approche somatique au travers de questions que notre recherche induit et que nous essayerons de résoudre concrètement sur scène : Comment éviter les pièges du dualisme corps/esprit et insuffler une dynamique où sentir, agir, imaginer, penser constitue le cœur de nos pratiques ?
Comment s’affranchir de « ce qu’il faudrait faire » pour se concentrer sur la création scénique d’une relation à soi, aux autres, au plateau, au public ?
Comment penser certaines contraintes comme des opportunités de libération ?
Outre la pratique quotidienne de leçons Feldenkrais, nous expérimenterons différentes manières de réinvestir ces outils somatiques sur scène et de découvrir le processus créatif sous un nouvel angle.

JULIE-KAZUKO RAHIR * est comédienne et praticienne diplômée de méthode Feldenkrais (IFELD, Lyon). Elle intervient régulièrement à l’école de Théâtre des Teintureries à Lausanne ainsi qu’à la Manufacture dans le cadre de stages et cours réguliers de méthode Feldenkrais pour le bachelor danse et le Master mise en scène et scénographie.

CHRISTIAN GEFFROY-SCHLITTLER * est comédien et metteur en scène et intervient régulièrement à la Manufacture.

Ils dirigent ensemble une compagnie théâtrale basée à Genève, L’agence Louis-François Pinagot (aLFP) qui allie étroitement créations théâtrales, travail de recherche (tout d’abord à propos du pathos de 2009 à 2013, puis maintenant théâtre et Feldenkrais), formations professionnelles et actions culturelles. Ensemble, ils ont mis en scène « La caméra qui parle », spectacle de sortie de l’école Serge Martin, au Théâtre Saint-Gervais à Genève, en juin 2021.

 

*atelier #8

La présence des anges
Gabriel Dufay

« L’ange ne va sur la scène, il passe par la scène ; l’ange est soudainement là, avec sa présence invisible, et passe de manière aussi invisible et soudaine par la scène du texte et des acteurs, pour disparaître encore une fois, invisible. Tout va finir dans un moment. Une présence invisible est apparue. Et a disparu. Pourtant elle a laissé sa trace sur ceux qui ont pu faire l’expérience de ce qui est arrivé de manière inexplicable. » Jon Fosse

Cela fait longtemps que je me passionne pour le théâtre scandinave et je propose, dans ce stage, d’explorer plusieurs courtes pièces de deux des dramaturges les plus importants de ce théâtre : Arne Lygre et Jon Fosse. Ces petites pièces inédites sont de pures merveilles, donnant à l’interprète et au metteur en scène un cadre rigoureux tout autant qu’une liberté inouïe. Le principe de la pièce courte au théâtre me fait penser à celui de la nouvelle en littérature. Pour moi qui explore les courants souterrains, les tropismes de la langue et la présence des fantômes sur la scène, ces écritures me ravissent. Comment faire vivre en peu de temps un personnage, une histoire, tout un monde caché ? C’est une des questions que je me pose et que j’ai à cœur de partager avec les comédiens et comédiennes au cours de cet atelier. L’enjeu est ici d’aller au nerf (des relations, de l’intrigue, de l’écriture) et de découvrir comment les anges passent par la scène, dans les interstices, entre mots et silence, vivants et morts, ténèbres et lumières. Fosse et Lygre vont ici au nerf de son œuvre et nous délivrent des poèmes singuliers, des épures, resserrant leur propos pour n’en garder que l’essentiel. Les fantômes, les anges, la mémoire et le temps sont au centre de ces œuvres qui parlent avant tout, pour moi, de la vulnérabilité des êtres, et nous invitent à une empathie fondamentale.

GABRIEL DUFAY * est un comédien, metteur en scène et auteur. Après une formation au CNSAD, en 2008, il crée la Compagnie Incandescence. En tant que comédien, il joue sous la direction de Jean-Paul Wenzel, Wajdi Mouawad, Emmanuel Bourdieu, Denis Podalydès, Othello Vilgard, Pauline Masson, Célie Pauthe, Alain Françon, Igor Mendjisky, David Géry, Baptiste Guiton… En tant que metteur en scène, il a créé des textes de Thomas Bernhard, Nathalie Sarraute, Roland Schimmelpfennig, Jon Fosse, Robert Desnos, Falk Richter, Kae Tempest, Stefano Massini… Il prépare actuellement un spectacle sur Brigitte Fontaine. Il est également l’auteur d’entretiens avec Denis Podalydès et Michel Bouquet, ainsi que de Hors jeu (Les Belles Lettres/Archimbaud, 2014).  

 

*atelier #9

Théâtre in situ
Oscar Gómez Mata
Atelier coordonné par Jean-Daniel Piguet

Aujourd’hui plus que jamais, la création scénique contemporaine doit être l’endroit de l’art où nous devons nous demander: que faisons-nous ici et maintenant. L’art scénique comme exercice pour penser la vie. L’art comme lieu de reconnaissance et formation. Nous, artistes, nous devons inventer un art social, profond, ludique et utilitaire.

Les physiciens disent qu'il n'y a pas de réalité qui ne se situe en dehors de la relation entre l'observateur et l'objet observé. Si nous appliquons cette idée au théâtre, cela voudrait dire qu'il n'y aurait donc pas de pièce absolue, mais une construction multiple et intime de la pièce faite par le public. Impossible alors d'imposer sa vérité, impossible d'imposer une seule vision de la pièce, de notre création. Alors si c'est ainsi, si la pièce ne peut exister sans le public, rendons celle-ci au public !

Dans mon cas, tous les moyens sont bons pour mettre la pièce entre les mains du public : l'ambiguïté entre le faux et le vrai, la fragilisation volontaire de la structure, des transitions, de l'image de l'être humain, l'humour comme moyen d'accès sensoriel à la pensée, l'aspect improvisé et « fait sur place » du jeu et du dispositif scénique pour renforcer l'idée de présent, la citation d'événements actuels et locaux et leur introduction dans le contexte de la pièce, l'adresse directe et l'idée d'accident, l'utilisation du déplacement physique comme moyen de déplacement de la pensée. Tout ce dispositif doit servir à activer le regard du spectateur et le rendre critique. Il s'agira pour lui de décider de l'image qu'il veut voir. C'est une manière de lui rendre sa responsabilité dans la construction du réel, de le rendre créatif, mais c'est aussi l'obliger à prendre position. Activer le regard du spectateur avec l'objectif (politique) de lui rendre sa capacité et sa raison de citoyen : le théâtre comme exercice de la vie.

OSCAR GOMEZ MATA * Metteur en scène et comédien, mais aussi auteur et scénographe, Oscar Gómez Mata débute ses activités théâtrales en Espagne où, en 1987, il est cofondateur de la Compagnie Legaleón -T, avec laquelle il crée un bon nombre de spectacles jusqu’en 1996. Il crée à Genève en 1997 la Compagnie L’Alakran, dont il est le directeur artistique et pour laquelle il signe les mises en scènes, la conception et la dramaturgie ou les textes. Il joue également dans certaines de ces créations qui sont coproduites par des théâtres suisses et étrangers et qui tournent sur les scènes de France, d’Espagne, d’Italie, du Portugal et d’Amérique Latine. En résidence artistique au Théâtre Saint-Gervais Genève de 1999 à 2005, ainsi qu’aux Subsistances de Lyon en 2006, Oscar Gómez Mata intervient également en tant que formateur et pédagogue, à l’école Serge Martin, dans le cadre des Chantiers nomades (structure française de formation continue pour professionnels du spectacle), ainsi que pour le Master en pratique scénique et culture visuelle organisé par l’Université de Alcalá (Madrid) ou les rencontres professionnelles de danse. Il est intervenant régulier à la Manufacture – Haute École de théâtre de Suisse romande (HETSR) depuis 2013. Il a été Lauréat 2018 des prix suisses du Théâtre. 

JEAN-DANIEL PIGUET * est metteur en scène. Il crée des spectacles qui questionnent le potentiel fictionnel de la réalité qui nous entoure (Passe, Pas Perdus, Memoria Libera, Partir). Il travaille avec plusieurs ami·es artistes en tant que collaborateur artistique, dramaturge ou performer (Mélina Martin, Oscar Gomez Mata, Rémi Dufay, Camille Mermet, Yan Duyvendak, Mélanie Gobet, Maxime Gorbatchevsky, Floriane Mésenge). Aimant interroger le lien entre théâtre et société, il suit deux parcours de la Marmite – mouvement artistique, culturel et citoyen- en tant qu’artiste associé. En 2020, il est lauréat de la Bourse Leenaards.  

 

*atelier #10

L'adaptation, le point de vue
Ludovic Chazaud

Que l’objet source soit une image, un article, un événement, un roman, un film ou encore une pièce voire même une improvisation, l’adaptation théâtrale est un espace qui questionne le point de vue. Une adaptation se doit de préciser ce qui souhaite vraiment être raconté ainsi que à qui elle s’adresse. Toute adaptation artistique est légitime, mais celles-ci doivent avoir conscience d’un décalage qu’elles proposent vis à vis de l’objet source. Ce décalage est un acte d’affirmation de son propre geste artistique, d’affirmation de son propre point de vue.

A l’aide de jeux de plateau, d’exercices d’acteur·rice, jeux de paroles et petit jeux d’écriture, ainsi que des propositions de textes préadaptés par mes soins que nous essayerons d’interpréter, nous allons nous amuser à explorer les multiples points de vue possibles que l’on peut donner d’une courte œuvre littéraire.

Selon moi, tout est bon pour raconter, mais chaque choix que nous faisons dévoile notre point de vue sur un objet source. Que ce soit l’outil narratif, le dialogue, le son, que ce soit la conjugaison d’une phrase, le pronom qui est utilisé pour raconter, mais aussi le regard, la place que l’on donne aux spectateurs et spectatrices, tout est outil, jouet, pour définir notre point de vue et le point d’où l’on souhaite que l’œuvre soit vue. Nous essayerons de jongler avec ces différents outils afin d’en explorer les conséquences sur ce que cela raconte à celleux qui regardent, comment cela les changent, les déplacent, les posent comme critiques ou comme simple observateur·ices.

Socrate aurait dit « ce qui fait l’être humain c’est sa grande faculté d’adaptation » *je choisis ici d’adapter la citation en langage inclusif. Une façon d’affirmer mon propre point de vue, ouais.

 

LUDOVIC CHAZAUD * parlera de lui dans les lignes qui suivent à la troisième personne du singulier ce n’est pas quelque sorte d’arrogance mais bien plutôt une adaptation littéraire de son parcours à la sauce minibio.

Il vit et travaille en Suisse comme metteur en scène, pédagogue, acteur et auteur de textes théâtraux, père, amour et ami. Après avoir suivi un cursus universitaire (Arts du spectacle) et l’école de La Scène sur Saône à Lyon il intègre la HETSR en 2006.  Les plus heureux d’entre vous l’auront vu joué dans les créations de Lilo Baur, Georges Grbic, Joël Maillard, Julien Basler et Andrea Novicov, il assistera le travail de ce dernier à plusieurs reprises. En 2009 il a créé la Cie Jeanne Föhn, il y monte des textes d’auteur comme L’Étang de R. Walser ou Couvre-feux de D.G. Gabily. C’est d’ailleurs au cours de la création sur ce récit qu’il se rend compte qu’il aime transposer des œuvres non dramatiques sur scène et poursuivra pour le plateau l’adaptation de divers récits, œuvres de fiction, documentaires ou témoignages. Ses spectacles oscillent entre narration et incarnation affutant la parole des acteur·ices, aimant jouer des codes d’adresse, des temps de parole, créant des pièces vibrentre (oui vibre/entre mouhaha) la réalité du plateau et le mensonge de la fiction ou le mensonge du plateau et la réalité de la fiction. Il ne sait plus très bien. Diable !

En 2015, le canton de Vaud attribuera à Jeanne Föhn un Contrat de confiance. Ludovic enseigne aussi régulièrement dans diverses structures (Le Théâtre du Loup, Le CFP art, Les Classes préprofessionnelles du CMG) où il peaufine son travail d’écriture lors de création pro avec les élèves (Rien de Jane Teller, On n’est pas des Cerises…). En 2020 le spectacle Sara, mon histoire vraie (1) sera sélectionné aux Plateaux interéseaux et aux Rencontres du Théâtre suisse, comme l’avait été Couvre-Feux en son temps. Ludovic est aussi auteur de différents textes commandés par des compagnies indépendantes. Il partage aujourd’hui sa vie entre enseignement pour la jeunesse, son travail de directeur de compagnie, d’auteur, ses engagements d’acteur et surtout sa famille.

 

*atelier #11

Clown et idiotie
Alexandra Gentile

L’art du clown est un outil théâtral riche car il travaille sur des aspects essentiels de la pratique d’acteur·rice : le plaisir du jeu, l’authenticité, le goût du risque et la liberté sur un plateau.  Pour le·la clown - cet être socialement inadapté - tout est prétexte ou opportunité au jeu. Guidé·e par ses sensations, ses pulsions et ses émotions, iel bâtit son monde, ses lois et ses utopies.
Le travail du clown permet de revenir à des fondamentaux techniques (respiration, regard, ancrage,…). Il favorise une écoute fine de l’intérieur, requiert un engagement physique sans limite pour traduire la justesse de ce qu’on ressent, tout en gardant un lien constant au public ainsi qu’au présent fait d’accidents et de cadeaux.
Le·la clown ouvre un champ d’action et des possibles vertigineux pour l’acteur·rice qui le·la pilote. C’est une enquête intime, ludique et sans compromis. Une recherche exigeante de savoir-être. Une zone de risque où nos qualités ne sont pas celles que l’on croit, où notre puissance et notre vulnérabilité sont poreuses et perméables.
C’est aussi simplement l’endroit de soi-même où l’on accepte que ça déborde joyeusement.

ALEXANDRA GENTILE * Comédienne polyglotte basée à Lausanne, Alexandra Gentile se forme à l’Université de Lausanne et à l’Accademia Teatro Dimitri au Tessin. Elle collabore avec différentes compagnies de théâtre en Suisse romande en tant qu’interprète, metteuse en scène et autrice.
Alexandra aime intégrer à sa pratique théâtrale ce qu’elle glane au fur et à mesure de son cheminement artistique (art du clown, chant polyphonique, danse contemporaine, marionnettes et théâtre d’objet). Elle se forme en clown auprès de François Cervantes, Catherine Germain, Hélène Vieilletoile, Gabriel Chamé Buendia, Vincent Rouche, Dominique Chevallier et Fred Robbe.
Elle fait converger sa recherche et son travail à l’endroit de notre humanité où les questions trop grandes, notre profonde idiotie, nos contradictions, notre joie de vivre et nos parts d’ombre se percutent et s’embrassent.
Quand elle n’est pas sur un plateau, elle transmet sa passion pour le théâtre, le mouvement et le clown par le biais de stages et de workshops pour adultes.

 

*atelier #12

Female Gaze et montage
Nina Negri & Clémentine Colpin

Vers une méthode d’interprétation phénoménologique et cinématographique

- atelier pour comédien·x·es et danseur·x·es -

Comment transposer des séquences filmiques sans se prêter pour autant au jeu de l'adaptation ? Comment les corps imprimés sur une pellicule imprègnent-ils les corps vivants d'un plateau ? Ou encore : comment la transposition d'un médium discontinu (le cinéma) à un médium ontologiquement continu (les arts vivants) peut s’activer de l’intérieur du plateau et engager de fait la singularité des interprètes ?
L’objectif de cet atelier est de mettre à l'épreuve une méthode d'écriture de plateau cinéma/théâtre qui conjugue une certaine porosité corporelle avec des outils de jeu très concrets. Il ne s’agira donc pas d’interpréter une scène en termes de récit (c’est-à-dire rejouer le scénario ou les personnages), mais plutôt de multiplier les points de vue sur un matériau filmique aussi bien en termes subjectifs (improvisations, création chorégraphique, protocoles d'écriture), qu'en termes purement formels (procédés de montage et de jeu).
Pour composer de manière phénoménologique, nous allons avant tout passer à travers le corps, sa mise à disposition et son lâcher-prise, puisque regarder est avant tout une expérience active et incarnée, un échange égalitaire entre les spectateur·x·ices et l’œuvre. Le travail commencera donc toujours par un training mêlant différentes disciplines somatiques telles que le Butoh et le Body-Mind Centering®. Suivront des visionnages de séquences cinématographiques et des improvisations encadrées par des procédés de jeu (issus du projet sur le faux-raccord mené au département de recherche de la Manufacture) en mesure de traduire des effets de montage et de cadrage précis.
Cette approche se place sous le prisme du female gaze théorisé par Iris Brey ; mais attention, ce regard féminin ne définit absolument pas une essence féminine en soi : il permet en revanche de sortir d'une vision scopique qui objectivise les corps, afin d’activer une interprétation qui ne passe pas uniquement par le logos (la raison, la logique ou le discours) mais aussi par la glossa (une langue liée à la glotte, à une corporéité sensible). « La différence entre ressentir et s’identifier est capitale. On peut ainsi dire que faire l’expérience du female gaze, c’est avoir la sensation de partager celle du personnage principal » écrit Brey. Une manière bien précise de partager du sensible, et donc de créer.
Le film sur lequel nous travaillerons est Le Dernier Tango à Paris (1972) de Bernardo Bertolucci : un matériau clairement male gaze, que nous allons justement tenter de subvertir – afin de proposer de nouveaux imaginaires non hétéronormés autour des liens sensuels, sexuels et amoureux aujourd'hui !

NINA NEGRI * est metteure en scène, chorégraphe et pédagogue. Suite à ses études de philosophie, elle intègre les Rencontres Internationales de Danse Contemporaine de Paris et l'Accademia Teatro Dimitri en performance. Elle poursuit sa formation à l'École des Maîtres ainsi qu’à la Biennale de Théâtre de Venise. En 2018, elle obtient un Master Mise en scène auprès de La Manufacture de Lausanne. Elle a notamment écrit et mis en scène GirlisaGun, M. la Multiple et Sous Influence, parallèlement à plusieurs formes performatives et collectives telles que Carto-graphies de Corps Migrants, Adèle H. ou Dog Streams.

Nina a aussi réalisé une série de films courts documentaires ainsi qu'un long-métrage avec Pietro Pasquetti, Il Vangelo Secondo Maria (Prix Avanti! International Turin Film Festival). Elle collabore, entre autres, avec El Conde de Torrefiel, ricci/forte, Thomas Ostermeier, Barbara Nicolier, Pascal Rambert, Blandine Masson, Nicolas Zlatoff, Zuzana Kakalikova, Massimo Furlan et Claire de Ribaupierre. En tant que pédagogue, elle intervient à La Manufacture, transmet la pratique du Butoh et dirige des laboratoires de théâtre et danse pour enfants.

CLÉMENTINE COLPIN * est metteure en scène et pédagogue, diplômée du Master en Interprétation Dramatique de l’IAD (Belgique) et du Master en Mise en Scène de la Manufacture. Elle travaille depuis entre la Belgique et la Suisse. Elle a notamment mis en scène : Save the date ; La Cagnotte (co-mis en scène avec Christian Geoffroy Schlittler) ; Peter, Wendy, le temps, les Autres ; et prochainement Annette. Avec la compagnie Canicule, elle cherche à sortir le théâtre des murs pour le frotter à des espaces inattendus. C’est ainsi que naissent Que fait une fait une fille si charmante toute seule ? ; Métagore ; et enfin Métagore Majeure.

Clémentine a également travaillé en tant que comédienne ou assistante aux côtés de Robert Cantarella, le Collectif_Sueur, Omar Porras, Dominique Serron, Benoit Van Dorslaer, Jaco Van Dormael, Fabrice Murgia, et Christiane Jatahy. Avec Nina Negri, elle mène un projet de recherche à la Manufacture sur la notion de faux-raccord. Depuis, elles interviennent régulièrement auprès des étudiant•es du Bachelor et du Master en Théâtre pour partager leur goût pour le montage.

 

2023

 

 

*atelier d'écriture #2

Atelier d'écriture
Adrien Rupp

 

*atelier #13

Articuler ce qui se meut entre le visible et l'invisible
Yasmine Hugonnet

*mini-atelier #14

Méthode respiratoire
Coralie Vollichard

 

*atelier #15

Marionnettes
Chine Curchod

*atelier #17

Récolte – territoire – mise en jeu
Jean-Louis Johannides

2022-2023

Approche de la technique Meisner
Prune Beuchat

Le but de la technique Meisner (développée par le professeur de théâtre états-unien Sanford Meisner) est de sortir le comédien de son mental, de manière à ce qu’il réagisse spontanément dans la relation avec son partenaire. Il s’agit, par la pratique régulière d’un exercice très structuré, de développer son écoute active, son point de vue, sa spontanéité et donc sa présence sur un plateau. Cette technique englobe aussi le travail de préparation émotionnelle, d’improvisation et d’analyse de texte. C’est une méthode qui se digère lentement. Prune Beuchat, qui fréquente la technique Meisner depuis plusieurs années, et qui l’utilise pour nourrir son propre jeu, en proposera ici une initiation.

PRUNE BEUCHAT *  veut faire du théâtre depuis qu’elle est enfant. Elle suit des cours aux Conservatoires de Fribourg, Genève et Lausanne et intègre finalement l’ENSATT à Lyon. En 2006, son diplôme en poche, elle devient artiste auxiliaire à la Comédie Française et y travaille avec Omar Porras et Christophe Rauck. Elle collabore ensuite comme interprète avec des metteur·es en scène aux recherches variées : Jacques Vincey, Anne Bisang, Gérard Desarthe, Nicolas Gerber, Philippe Mentha, Michel Raskine, Anne Astolfe (cie Le Laabo), Louise Vignaud, Baptiste Guiton, Nicolas Zlatoff, Cédric Dorier, Sarah Eltschinger, Piera

Bellato,  Mathilde  Morel. Parallèlement,  elle  suit  des ateliers  de  formation  continue  et rencontre  Pico Berkowitch avec lequel elle pratique la méthode Meisner depuis 2015. Le travail à la caméra la passionne également. Depuis 2012, elle tourne dans des courts-métrages, séries et film avec Eric Woreth, Serge Meynard, Guillaume Mainguet, Guilhem Amesland, Okacha Touita, Robin Harsch, Ludovic Damiano, Anne Thorens et Delphine Lehericey. Intéressée par la recherche, la transmission et l’accompagnement d’artiste, elle est assistante d’enseignement et de recherche à La Manufacture à Lausanne de 2017 à 2019. Elle poursuit ce travail en animant plusieurs séances du Training permanent de *La FC*, et en accompagnant des artistes telles que Coline Bardin et Anne Ottiger à la création de leur seule en scène. Depuis 2022 elle est coach en art oratoire à La Manufacture. Durant la saison 22-23, elle conduit un projet de Recherche avec le metteur en scène Julien Meyer intitulé : « Action littérale, comment travailler un texte sans qu’il nous fige », à La Manufacture de Lausanne et au Dansomètre à Vevey.

 

Théâtre spontané et improvisation
Tiphanie Bovay-Klameth, Laurent Baier, Adrien Knecht

« Je travaille avec le sérieux d'un enfant qui joue. » Saint-John Perse

Ce que nous appelons « théâtre spontané » est à la fois un ensemble de techniques artistiques et un état d'esprit favorisant la création ex nihilo.

Ce que nous appelons « improvisiation » c'est l'acte de se laisser aller au plaisir immédiat du jeu et l'exultation de l'imaginaire.

Pour nous, improviser sur scène c'est se mettre au service du seul instant présent. C'est développer une écoute totale de l'autre, de la salle et de nos propres sensations. C'est cultiver son instinct dramaturgique pour inventer des scènes cohérentes en quelques secondes. C'est oser démarrer un voyage dans l'inconnu en conservant l'absolue conviction que quelque chose de beau et d'inattendu nous attend quelque part. C'est mettre en veilleuse les velléités de résultat et les injonctions à être brillant·es, le temps d'une brève éternité.

Et avant tout, réapprendre à improviser c'est prendre appui sur des outils techniques fiables et professionnels pour aller réveiller cette jubilation quasi naïve de « l'état de jeu », dans son acception première du terme.

Dans ce training, nous nous engageons auprès des participant·es à :

• les accompagner dans l'acquisition des outils techniques requis par cette pratique
• les soutenir dans la libération de leur imaginaire afin qu'iels multiplient les chemins créatifs
• revenir à cet état de « presque-idiotie » où le jeu précède nécessairement l'intelligence
• prendre leur pied en laissant naître spontanément de vrais et beaux moments de théâtre
• les faire jouer en groupe et en solo, brièvement et longuement, en musique et en silence...
• faire de l'instinct l'une des prémices nécessaires à l'acte créatif
• jouer, jouer, jouer, jouer, compléter-modifier-refaire, jouer, jouer, jouer. Et kiffer ça jusqu'à en pleurer de plaisir !

Nous sommes trois acteur·ices aguerri·es dans la pratique du théâtre spontané et de l'improvisation cumulant plus de 60 ans d'expérience et des centaines d'heures d'enseignement. Et après autant de temps passé à arpenter les coulisses superbes des imaginaires de nos stagiaires et de nos spectateur·ices, nous continuons de nous émerveiller de chaque découverte comme si c'était la première. Ensemble, nous partageons la certitude que développer sa faculté à improviser, c'est offrir une cure de jouvence à sa créativité et un peu de vacances à son auto-jugement.

 

TIPHANIE BOVAY-KLAMETH * Née en 1984, elle se forme comme comédienne à La Manufacture - HETSR de 2004 à 2007. En 2008, elle rejoint l’univers des Deschiens et joue Salle des Fêtes de Macha Makeïeff et Jérôme Deschamps. Au sein de la 2b company, elle travaille avec le metteur en scène François Gremaud (RE, en 2009). En compagnie de ce dernier et de Michèle Gurtner, elle fonde le collectif GREMAUD/GURTNER/BOVAY. À trois, ils créent KKQQ, Récital, sont artistes associés du FAR festival de Nyon avec Présentation. Puis, ils créent Chorale, Western Dramedies, Les Potiers, Vernissage et Les Soeurs Paulin à l’Arsenic et au Centre Culturel Suisse de Paris, et enfin Pièce, au Théâtre de Vidy. Tiphanie Bovay-Klameth collabore également avec Marielle Pinsard, Joël Maillard ou encore Guillaume Béguin en jouant et en participant à l’écriture de plusieurs pièces. Parallèlement, elle a une grande expérience en tant qu’improvisatrice avec la Cie du Cachot, Lausanne-Impro, Improlabo, et fait partie de l’équipe suisse professionnelle d’improvisation. Elle joue également à Paris Impro et remporte la Coupe avec l’équipe Trocadéro en 2018. En outre, elle donne des stages d’écriture de plateau à de jeunes comédiens dans le cadre de leur formation professionnelle. En 2017, elle crée la compagnie TBK afin de réaliser ses propres projets et présente son premier solo, D’Autres. Elle reçoit le prix François Silvant et fait l'ouverture de la Sélection suisse en Avignon 2018. En 2019, la Fondation Vaudoise pour la Culture lui décerne le Prix Théâtre.

ADRIEN KNECHT * Comédien et musicien né en 1984, il débute l'improvisation théâtrale en 1998 au sein de la ligue d'improvisation vaudoise. Après avoir pratiqué les matches d'improvisation, il étend sa pratique à d'autres formes en rejoignant la troupe de Casting (2006) et en collaborant à la création des spectacles Improlido (2009), Dimanche (2014), Eminences grises (2017). En été 2016, il part aux États-Unis pour élargir sa pratique du théâtre improvisé et suit une formation au théâtre iO de Chicago. À côté de son activité d'improvisateur, il a également joué pour plusieurs metteur·es en scènes : Alexandre Doublet, Julien Barroche, Alain Borek et Pauline Castelli. En 2018, il crée la compagnie Knack qui lance le projet de spectacle improvisé Pur Bœuf, et la création collective Friture et chats errant (2021). Formé à la pédagogie (HEP) et à l'éducation populaire (Université de Lille), il enseigne le théâtre improvisé dans diverses structures et développe une offre de stage, seul ou en collaboration. Également actif dans le domaine de la musique (basse, contrebasse, chant), il explore l'univers de la chanson à texte avec la création de Fils Gillégitimes (2013), une relecture du répertoire de Jean Villard Gilles, et Georges encore (2017) explorant l'univers deBrassens. Il rejoint le groupe Kind & Kinky Zoo en tant que bassiste en 2017 avec lequel il sort trois singles, participe à quelques grands festivals (Paléo, Hook & Sling) et part pour plusieurs tournées à l'étranger (Allemagne, Italie, Autriche, Japon).

LAURENT BAIER * né à Lausanne en 1979, se passionne pour l'art dramatique et l'improvisation depuis plus de 25 ans. Son amour inconditionnel pour les grands récits, les fables et les métaphores l'encourage à devenir tour à tour libraire, étudiant en Histoire et Sciences des Religions, hypnoprathérapeute et acteur. Depuis l'obtention de son diplôme (HETSR-La Manufacture) en 2010, il a joué dans plus de 80 spectacles en Francophonie, en passant du théâtre contemporain à l’improvisation, du contes érotiques (en LSF) au théâtre social ou du théâtre d’appartement à au théâtre d'objets. En plus de partiquer les arts vivants, il s'adonne à l’écriture, à la mise en scène, à la télévision, à la pédagogie et au théâtre en entreprise. Dans ces diverses disciplines artistiques, il a notamment collaboré avec Françoise Boillat, Robert Sandoz, Marielle Pinsard & Alexandre Doublet, Camille Giacobino,  Christian Geoffroy-Schlittler, Emmanuel Moser, Christophe Saber, Geoffrey Dyson, Vincent Veillon et Vincent Kucholl. Et lorsqu’il n’est pas comédien, il anime des ateliers d’Art Oratoire, transmet sa passion des arts de la scène lors de stages professionnels ou propose ses services d'hypnothérapeute. Pour Laurent, ce sont nos histoires qui nous racontent et non l'inverse.

 

2022

Analyse-Action
Nicolas Zlatoff

Le travail s’appuie sur la pratique de l’analyse-action, telle que l’a développée Constantin Stanislavski, et plus tard Anatoli Vassiliev, ainsi que d’autres outils plus spécifiques. Disposant d’un texte qu’iels ne connaissent pas encore, les interprètes tentent de le jouer avec leurs propres mots, en alternant des moments d’analyse (à la table ou en jeu) et des moments d’études au plateau. Iels élaborent des compositions sensibles propres à chaque scène qui leur permettent d’improviser, de tester des hypothèses, de découvrir de nouveaux sens, pour développer peu à peu une aptitude au plateau à « penser et vêtir ses pensées des mots que l’auteur lui a donnés » dans le texte original.

 

Issu d’une formation initiale scientifique (ingénieur de l’Ecole Centrale puis Docteur ès Sciences de l’INSA), NICOLAS ZLATOFF * intègre le Master Mise en Scène de la Manufacture, Haute Ecole de Théâtre de Suisse Romande en 2013, où il développe pendant deux ans une recherche à la fois théorique et pratique sur la représentation de l’acte de penser. Il a dirigé plusieurs projets de recherche dans la continuité de ce travail, soutenus par le FNS, l'IRMAS et la HES-SO.

 

Prune Beuchat
Approche de la technique Meisner

Le but de la technique Meisner (développée par le professeur de théâtre états-unien Sanford Meisner) est de sortir le comédien de son mental, de manière à ce qu’il réagisse spontanément dans la relation avec son partenaire. Il s’agit, par la pratique régulière d’un exercice très structuré, de développer son écoute active, son point de vue, sa spontanéité et donc sa présence sur un plateau. Cette technique englobe aussi le travail de préparation émotionnelle, d’improvisation et d’analyse de texte. C’est une méthode qui se digère lentement. Prune Beuchat, qui fréquente la technique Meisner depuis plusieurs années, et qui l’utilise pour nourrir son propre jeu, en proposera ici une initiation.

PRUNE BEUCHAT * Formée à l’ENSATT, Prune Beuchat a joué à la Comédie-Française sous la direction d’Omar Porras et de Christophe Rauck. Au théâtre, elle travaille notamment avec Jacques Vincey, Anne Bisang, Gérard Desarthe, Nicolas Gerber, Philippe Mentha, Michel Raskine, Anne Astolfe (cie Le Laabo), Louise Vignaud, Baptiste Guiton, Nicolas Zlatoff et Cédric Dorier. Elle a tourné dans des séries et courts-métrages, notamment avec Eric Woreth, Serge Meynard, Guillaume Mainguet, Guilhem Amesland, Ludovic Damiano et deux longs-métrages de Okacha Touita et Robin Harsch. Elle pratique la méthode Meisner avec Pico Berkowitch depuis 2015. En 2018 et 2019 elle est assistante d’enseignement et de recherche à La Manufacture à Lausanne.

 

François Renou
« Le Juste Effort » — Appuis vocaux et musicaux pour la pratique scénique

Un intérêt majeur de la pratique chorale comme de la technique vocale classique est d’aider à maîtriser le rapport entre « l’artifice », c’est-à-dire le code-outil de monstration, et ses sources organiques. Si certain·es parviennent à construire une expressivité vocale de manière spontanée, beaucoup d’entre nous percevons la voix comme un endroit de fragilité plus ou moins inéluctable. Il n’est pas toujours évident d’appréhender cette énergie brute, et d’être capable de l’apprivoiser de manière à ce qu’elle soit agréable, réitérable et valorisable dans nos pratiques scéniques. Ainsi, apprendre à « jouer » de cet instrument si singulier, seul et/ou à plusieurs, c’est identifier les rapports internes à soi en jeu dans l’acte de chanter. Paradoxalement, ceux-ci sont vecteurs de présence par un dédoublement : être à la fois instrumentiste et instrument, actif·ve et à l’écoute,  volontaire et instinctif·ve, conscient·e de ce qui tient et de ce qui bouge. Ce training s’adresse donc à celles et ceux qui sont amené·es à chanter en scène, mais aussi aux professionnel·les qui souhaitent diversifier ou approfondir leurs appuis techniques. 

FRANCOIS RENOU * est metteur en scène et chanteur. Il est l’auteur de plusieurs mises en scène d’opéra et de théâtre musical, en commande comme en création. Il collabore avec de nombreuses compagnies et institutions de l’arc lémanique, et assure le suivi vocal d’artistes scéniques de la région. Il chante depuis 2014 au sein de l’Ensemble Vocal Lausanne, et a co-fondé le quatuor vocal Pymazov en 2018. 

 

Jean-Daniel Piguet
Théâtre documentaire — Récolter et jouer

Je viendrai d’abord m’appuyer sur le cinéma documentaire, afin d’aborder des questions liées au tournage et au montage (la récolte et l’écriture). Cet abord théorique sera nourri par des exercices pratiques au plateau (travail à l’oreillette sur des séquences de film). Ensuite, nous questionnerons plus directement le champ du théâtre documentaire, et nous essaierons de trouver une manière qui nous semble « juste » pour récolter quelques matériaux dans la réalité qui nous entoure.  

Comment aborder ces matériaux pour qu’ils prennent de l’ampleur sur un plateau ? Est-ce différent d’un travail vis-à-vis d’un texte écrit par un auteur de théâtre ? Le théâtre documentaire nous empêche d’emblée d’aller vers l’incarnation d’un personnage. En effet, contrairement à Hamlet (qui n’existe pas, et qu’on pourrait éventuellement prétendre faire « apparaître »), les paroles documentaires font références à des personnes existantes : ce serait déjà partir perdant que de tenter d’incarner une personne qui existe, car nous ne ferons jamais mieux que ce qui est déjà là. A la place d’incarner, nous sommes donc contraint·es d’essayer de fantasmer, de caricaturer, de reconstituer, de faire sonner (comme des musicien·nes), etc.  

JEAN-DANIEL PIGUET * est metteur en scène. Il crée des spectacles qui questionnent le potentiel fictionnel de la réalité qui nous entoure (Passe, Pas Perdus, Memoria Libera, Partir). Il travaille avec plusieurs ami·es artistes en tant que collaborateur artistique, dramaturge ou performer (Mélina Martin, Oscar Gomez Mata, Rémi Dufay, Camille Mermet, Yan Duyvendak, Mélanie Gobet, Maxime Gorbatchevsky, Floriane Mésenge). Aimant interroger le lien entre théâtre et société, il suit deux parcours de la Marmite – mouvement artistique, culturel et citoyen- en tant qu’artiste associé. En 2020, il est lauréat de la Bourse Leenaards. 

 

Solange Schifferdecker
Le corps créatif: Body-Mind Centering®

La beauté de la recherche corporelle est qu’elle est infinie, qu’elle touche directement notre quotidien et le travail artistique scénique (danse, théâtre) par une meilleure conscience de notre posture physique, qu’elle nous relie directement et profondément à nous-mêmes et qu’elle est un potentiel de créativité et d’expression fantastique. Un outil de ce training est l’anatomie du corps. Mieux connaître les différentes structures du corps humain permet d’en faire une source de création. Ce training s’adresse à toute personne qui aime bouger, danser, explorer. Chaque séance sera l’occasion de plonger dans une structure spécifique du corps (squelette, organes, liquides, muscles, développement moteur de l’enfant…), puis de jouer avec les qualités et sensations qui en ressortent : comprendre et approfondir les intentions corporelles qui émergent, développer des nuances, sortir de ses habitudes corporelles et créer des atmosphères spécifiques par le mouvement. 

 SOLANGE SCHIFFERDECKER * Diplômée en 2009 d’un Bachelor en théâtre physique à l’Accademia Teatro Dimitri (HES), Solange Schifferdecker a complété ses études par une année à l’atelier de théâtre physique de l’Académie Universitaire JAMU (Rep. Tchèque). Elle pratique ensuite son métier en Suisse et en Belgique, avec des compagnies de théâtre et de danse, mêlant constamment ces deux arts. Elle développe ses propres créations artistiques dont Voisinage moléculaire présenté à Lausanne ainsi qu’à Locarno en 2018, travaille avec Marcela San Pedro et  rejoint dès 2017 la troupe permanente du SAT, dirigée par Gabriel Alvarez. En parallèle, elle approfondit une recherche dans les divers langages du corps à travers des stages de danse contemporaine, danse butoh et se forme en tant qu’éducatrice somatique en Body-Mind Centering®. Depuis 2018, elle donne des cours et stages en lien avec le BMC® en Suisse et notamment à l’Accademia Dimitri. 

 

Fabio Bergamaschi
Improvisation sur le mouvement

Ce training propose un travail sur la perméabilité des corps dans un dialogue physique basé sur l’improvisation. A travers une prise de conscience tant personnelle qu’environnementale, une dynamique de groupe se développera lors des performances en solo, duo ou en groupe.

En explorant les outils de l’improvisation du mouvement tels que l’espace, le temps, le poids et les impulsions du mouvement, ce training cherchera à créer un flux continuel d’idées pour développer une composition spontanée. A partir de la peau et en passant par les différentes couches de la structure du corps, un dialogue s’établira entre l’observation et l’attention ; un cadre sera créé, qui permettra de ramener à la conscience les choix que nous faisons et les possibilités qu’ils déterminent, en provoquant un état profond d’écoute.

 Né en Italie, *FABIO BERGAMASCHI étudie la danse à L’Atelier de Danse-Théâtre de Milan, dans La scuola d’arte drammatica Paolo Grassi (IT). Lauréat d’une bourse d’études, il intègre ensuite La scuola di specializzazione per danzatori contemporanei, coordonnée par l’Art/Aterballetto Dance Company (IT). Entre 2002 et 2016, il a travaillé à Suisse pour à la Compagnie Alias, basé à Genève. Actuellement, il travaille régulièrement avec la Cie Prototype Status/J. Morand et est intervenant à La Manufacture - Haute école des arts de la scène. En février 2015 il obtient un CAS en Médiateur culturel à l’HES-SO de Lausanne. En parallèle, il collabore avec de nombreuses compagnies de danse en Suisse et ailleurs.

 

Agathe Hauser
L’improvisation pour quand on a pas d’idée du tout de quoi faire et que ça devient gênant

Qu’est-ce qui se passe quand il ne se passe rien ? Comment improviser sans avoir une bonne idée de scène à jouer ? Est-ce qu’on peut jouer des scènes sans histoire, sans drame, sans tension, sans conflit ? Comment on joue quand on n’a rien à jouer ?

L’idée est d’explorer comment on peut se rendre disponible en tant qu’acteur et actrice à la moindre micro-fiction, au plus petit stimulus et à comment il nous impacte, comment appréhender cette sensation d’être en scène, sous le regard de quelqu’un·e·x, sans chercher à produire du contenu spectaculaire, tout en étant prêt·e·x à saisir les occasions de jouer seul·e·x, avec ses partenaires ou avec le public, découvrir comment nous impacte ce travail du cerveau qui consiste à repousser « les bonnes idées » qu’il crée, tout en restant attentif aux idées qui sont là autour de lui et dont il pourrait se saisir pour faire advenir une scène.

*AGATHE HAUSER est née en 1991 à Lausanne. C’est aussi là qu’elle s’est formée à l’Ecole supérieure de théâtre des Teintureries, dont elle sort diplômée en 2016. Depuis, elle a joué dans Stück Plastik de Marius von Mayenburg mis en scène par Gianni Schneider, A deux heures du matin de Falk Richter mis en scène par Gabriel Dufay, Bruxelles, printemps noir de Jean-Marie Piemme mis en scène par Philippe Sireuil, Le Roi se meurt d’Eugène Ionesco mis en scène par Cédric Dorier. Elle a écrit et mis en scène Klagenfurt en 2016 dans le cadre du festival « Les Envolées » aux Teintureries, ainsi que Liberté : une recherche improvisée avec 5 adolescent·es, présenté à la Grange de Dorigny en 2017. Elle est également improvisatrice, notamment sous la direction d’Alain Börek dans Les Furieuses et Dance is the answer, ou de Marion Chabloz dans Eminence Grise.

 

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2021

 

Coralie Vollichard
Méthode respiratoire

La méthode de respiration Sandra-Romond permet une exploration profonde et minutieuse de l’instrument respiratoire. En effet, elle met à jour l’importance de l’expiration dans le travail de l’acteur·ice, comme étant un vecteur majeur d’authenticité et d’ancrage de la parole.  

La pratique s’articule en deux temps : la gymnastique respiratoire (renforcement des muscles profonds qui participent à la physiologie du souffle) et la phonation (ouverture du larynx, relâchement de la gorge et détente  de la mâchoire).  

Par l’exercice régulier de cette méthode de respiration, l’acteur·rice peut développer avec aisance une endurance vocale et un ancrage profond. De véritables résultats sont visibles sur la pose de voix avec davantage de calme et d’endurance. 

Ainsi la méthode invite à comprendre et sentir qu’en tant qu’êtres humains, dotés d’un appareil phonatoire, nous sommes des instruments à vent. Pour les acteur·ices, cette perspective permet de redonner à la respiration, et ici à l’expiration, toute son importance, pour l’adresse, la précision et le concret des mots énoncés à chaque prise de parole.  

CORALIE VOLLICHARD * Elle est professeure régulière de la méthode à l’école des Teintureries depuis 2018. Fille de musicien·ne·s, elle-même chanteuse et passionnée par l'expression corporelle, et le théâtre, elle se forme comme comédienne à  l'École de théâtre des Teintureries, où elle découvre la méthode de respiration Sandra-Romond. Dès sa sortie en 2017, elle se tourne plus intensément vers cette pratique auprès de Catherine Rétoré, qui tient l’école de la respiration de Paris et qui enseigne entre autres à l’ESAD. Elle travaille également comme comédienne et assistante à la mise en scène au théâtre avec différent·es artistes suisses et étranger·es comme Isabelle Vallon (cie Transvaldesia), Gian Manuel Rau, Ludmilla Nekrassov, Giulia Belet, etc. Elle jouera cette saison 20/21 dans Girls and Boys de Dennis Kelly, mis en scène par Clémence Mermet, au Théâtre 2.21 à Lausanne, et dans le projet Bande à part, un “midi théâtre” en création au Théâtre du Reflet à Vevey. Elle enseigne le théâtre aux amateurs depuis 2019 aux ateliers de la Madeleine à Lausanne et à Improsuisse depuis 2020. Elle est aussi chanteuse et co-compositrice dans le groupe de pop electro rock epic Don’t Kill Duncan, crée en 2019, notamment programmé au festival du Lombric en août 2020.

 

Jérôme Richer
Atelier d’écriture

Sous le familier, découvrez l’insolite, 

Sous le quotidien, décelez l’inexplicable. 

Puisse toute chose dite habituelle vous inquiéter. 

Dans la règle, découvrez l’abus 

Et partout où l’abus s’est montré, 

Trouvez le remède. 

(Extrait de L’Exception et la règle de Bertold Brecht) 

Quel rapport le théâtre entretient avec le réel ? Depuis le 19ième siècle, avec le Wozzeck de Büchner, le théâtre a opéré un glissement, mettant de plus en plus en scène des personnages qui n’appartiennent pas à la grande histoire, ou plutôt que cette grande histoire refuse de considérer comme ses protagonistes (au contraire des personnages illustres ou d’une classe opprimée consciente d’elle-même). C’est l’irruption du fait divers sur les scènes de théâtre. Plus qu’un objet de fascination, le fait divers nous parle de nous. Il nous demande de dépasser notre état de sidération pour aller au-delà des apparences et des jugements moraux. Le fait-divers est le lieu où s’exprime ce qui dysfonctionne dans une société. A travers l’atelier, nous attacherons à explorer les infinis possibilités d’écriture que recèlent les faits divers, en nous appuyant sur quelques pièces importantes du répertoire (celles d’Ödön Von Horvath, Rainer Werner Fassbinder, Bernard-Marie Koltès, …) et sur l’actualité du moment. 

 JÉRÔME RICHER * Né en 1974, il suit d'abord une formation universitaire en droit, puis après un détour par l'éducation spécialisée, il se dirige vers l'écriture théâtrale et la mise en scène. Jérôme Richer se nourrit du réel pour écrire ses textes et construire ses spectacles. En tant qu'auteur, il est lauréat de plusieurs bourses et prix dont la bourse littéraire de Pro Helvetia et la bourse culturelle de la Fondation Leenaards. Trois de ses textes ont reçu le prix de la Société suisse des auteurs (SSA) à l'écriture théâtrale (Naissance de la Violence en 2006, Écorces en 2008, Défaut de fabrication en 2012). Ses textes ont été mis en scène, en espace ou en lecture en Suisse, en France, en Belgique, au Luxembourg, au Québec, en Allemagne, aux États-Unis et en Guinée. Ils sont publiés aux éditions Espaces 34, Bernard Campiche et Alna. Ils sont traduits en anglais et en allemand. Jérôme Richer anime très régulièrement des ateliers d'écriture, en particulier pour la Haute École de Travail Social (HETS) à Genève. 

 

Tiphanie Bovay-Klameth & Adrien Knecht
Improvisation

Les outils de l’improvisation théâtrale permettent aux comédien·nes d’appréhender leur pratique sous un angle nouveau, de libérer leur imaginaire, d’écrire de façon spontanée, et les habituent à faire avec ce qui advient. Au travers d’exercices spécifiques, en groupe et en solo, notre idée est d’encourager la souplesse, la réactivité et la singularité de chacun·e. En trois mois, nous imaginons donner des outils d’improvisation théâtrale qui permettent aux comédien·nes d'être capables d’inventer des scènes, de composer les un·es avec les autres et de se connecter à leurs singularités. Praticien·nes d'improvisation théâtrale depuis plus de vingt ans et enseignant·es depuis plus de dix ans, nous avons pu observer à quel point cette pratique exerce au lâcher-prise, à produire de la matière, à rebondir et à s’adapter. Cela est particulièrement utile lors de créations, d’écritures de plateau et d’auditions.